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David Hammons

Me gusta el tipo de cosas que me dice la gente cuando estoy clavando mis corcholatas o cuando vendo mis zapatos para muñecas. Como los organizo en patrones, a veces viene alguien y me dice: "Deberías dedicarte al arte", y yo respondo: "Ah… no lo había pensado".
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David Hammons es un artista afroamericano, principalmente reconocido por “hacer cosas en las calles” de los alrededores de Brooklyn y Harlem, en Nueva York, que se sitúa a sí mismo en un punto entre el arte povera y Marcel Duchamp. Hammons crea su obra a partir de los desperdicios y detritus de la vida de la comunidad afroamericana, tales como alas de pollo, botellas de licor Night Train, mechones de pelo rizado, corcholatas, etc. Sus ingeniosas y refinadas esculturas, así como sus instalaciones, performances e impresiones corporales se nutren de su visión crítica del racismo y los estereotipos culturales.

Este libro fue traducido por Abraham Cruzvillegas a partir de la lectura de los textos en voz alta. Reúne los ensayos que Tom Finkelpearl, Alanna Heiss, Kellie Jones y Robert Farris Thompson escribieron para el catálogo  de la retrospectiva del artista en 1991, así como un breve texto de Lynne Cooke y una entrevista a Hammons, de Louise Neri, publicados en la revista Parkett, en 1992.

Ad Reinhardt

“Llovió en Bombay, Bruselas, Bangkok y Braunschweig, pero el clima estuvo bien en Benares, Brujas, Bhubaneswar y Dublín. Estuve en Beirut y en Bagdad una semana antes de que aterrizaran los infantes de la marina. Delhi, Düsseldorf, Kyoto, Katmandú y Karachi fueron ciudades caras. Teherán, Tokio, Tel Aviv, Ámsterdam y Atenas no fueron baratas. Las mujeres fueron hermosas en Calcuta, el Cairo, York, Zurich y Viena. No llegué a Roma, Moscú, París, Peiping, Oslo ni Nairobi esta vez. Pero vi Isfahán, Estambul, Lincoln, Limerick, Hong Kong, Hereford y Hanover.”

 

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Ad Reinhardt (1913-1967) fue un pintor y escritor estadounidense principalmente reconocido por su pintura abstracta y como precursor del minimalismo y del arte conceptual de las décadas de 1960 y 1970.

Reinhardt desarrolló sus primeras pinturas y dibujos a partir del collage, técnica que perfeccionó con el transcurso del tiempo; a partir de 1941 se enfocó también en el diseño gráfico con un acercamiento más comercial, con el que colaboró en periódicos y revistas. “Una página de chistes” (“A page of jokes”), la serie de cómics presentada en este número de Alias y conformada por 30 láminas en formato de cartel, fue publicada originalmente por entregas en P.M., tabloide neoyorquino antifascista y anticomunista; después en las páginas de la revista Trans/formation y, finalmente, en Art News.

En el comprehensivo estudio (“Los cómics de arte y las sátiras de Ad Reinhardt”) que acompaña y comenta las láminas, el autor es descrito por el crítico de arte y amigo suyo, Thomas B. Hess, como alguien poseedor de una mente categórica, con “una gran capacidad para acumular información y ordenarla de formas maravillosamente extrañas”, además de como un “niño prodigio de la ilustración y las historietas”.

La figura de Reinhardt, espontáneamente política y colindante con otras disciplinas como la literatura, fue paradigmática en el medio artístico que le rodeaba; su tono mordaz y cargado de ironía señaló con agudeza las debilidades de las posturas artísticas de sus colegas; lo cual le valió el respeto y la enemistad de muchos. Interesado continuamente en la enseñanza y el estudio, encontró un lugar entre la academia y el mundo del arte, del que logró el refinado y peculiar retrato plasmado con inteligencia y humor en esta colección.

 

Tacita Dean

Donald Crowhurst no fue un gran hombre; tampoco fue un héroe. Tenía defectos, pero al final decidió contarnos la verdad y confesar su engaño. Alucinado, exhausto, loco y no obstante valeroso, dejó expuesta la verdad y saltó por la borda, sin consideración con nadie.
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Tacita Dean (Canterbury, Inglaterra, 1965) se formó como pintora; hoy en día trabaja con una variedad de medios que incluyen dibujo, fotografía y sonido, aunque es mejor conocida por sus películas en 16 y 35 mm. La obra de Dean busca conexiones entre pasado y presente, realidad y ficción. Crea mapas tanto del mundo objetivo como de los mundos privados y traza la compleja interacción entre ambos.

Fascinada por el mar como motivo, Dean lo emplea en sus obras asociado a lo sublime; su fuerza elemental representa las emociones humanas: turbulentas e ingobernables. Particularmente conmovida por el trágico relato de Donald Crowhurst —quien pretendió navegar en solitario y sin escalas alrededor del mundo a bordo del Teignmouth Electron—, realizó la investigación contenida en este libro, en el que explora su implicación personal en el viaje de Crowhurst y plasma sus pensamientos, sentimientos e ideas junto a imágenes de la embarcación realizadas en Caiman Brac.

Originalmente publicado por Bookworks, en Inglaterra, la edición de Alias acompaña la portada de cada uno de los ejemplares con un fragmento de la película de 16 mm en la que la artista filmó al Teignmouth Electron, protagonista de esta historia.

Cildo Meireles

En cierta forma te vuelves político cuando no tienes la oportunidad de ser poético. Creo que los seres humanos preferirían sin duda ser poéticos.

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Cildo Meireles nació en 1948 en Río de Janeiro, donde aún vive. Instigador clave del arte conceptual, ha realizado algunas de las obras más políticamente reveladoras, estéticamente seductoras y filosóficamente fascinantes de las últimas cuatro décadas. Con una distintiva economía de medios, destila ideas complejas hasta convertirlas en objetos o ambientes lacónicos.

Como artista heredó el legado del neoconcretismo, un movimiento brasileño de finales de los años cincuenta que rechazaba el racionalismo extremo de la abstracción geométrica y favorecía la creación de obras más sensoriales, piezas que demandaban la participación del espectador e involucraban tanto al cuerpo como a la mente. El optimismo utópico de los artistas neoconcretos se disolvió luego del golpe de estado de 1964, que marcó el comienzo de un opresivo régimen militar.

Este libro es la reedición del catálogo publicado originalmente en ocasión de la exhibición de la obra del artista en el IVAM-Centre de Carme, en 1995. Contiene entrevistas y textos en los que el artista reflexiona sobre el proceso de elaboración, los materiales y el sentido de cada una de las piezas que conformaron la exposición. La portada de la edición de Alias difiere de la de la publicación original a solicitud del artista, quien prefirió retomar la propuesta inicial de los diseñadores de dicho catálogo.

Hélio Oiticica

La cultura impuesta artificialmente, siempre es opresiva, es el no-criar que viene como glorificación de lo ya oculto, aunque de allí puedan obtenerse posibilidades de reinformación, pero, en el contexto general, toda la parafernalia cultural-patriótica-folclórica nacional es opresiva…

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Hélio Oiticica nació en Río de Janeiro en 1937. A pesar de ser muy conocido en Brasil, Oiticica sólo ahora ha empezado a ser gradualmente reconocido a nivel internacional como uno de los artistas más profundos y aventureros de estos últimos tiempos.

Oiticica era tanto un artista como un pensador. Situándose audazmente entre la vanguardia, la cultura popular brasileña, las realidades del “subdesarrollo” y el radicalismo de los años sesenta, hizo una profunda reflexión sobre los temas relacionados con el “arte”, la “invención”, la “libertad” en nuestro mundo contemporáneo.

Producto de la brillante explosión de la actividad artística que tuvo lugar en Brasil durante los años cincuenta y sesenta, que abarcó música, cine, una postura avanzada con sus innovadores bólidos, penetrables y parangolés a mediados de los años sesenta. Más tarde pasó temporadas en Londres y Nueva York antes de volver a Brasil, donde murió en 1980 a la edad de 43 años.

En las páginas de este libro se encuentran muchos de los textos que el artista escribió para entender y comunicar su trabajo, son pues escritos unidos a su obra en los que desarrolla enérgicamente sus puntos de vista sobre el arte y la cultura, desde los que analiza la realidad social brasileña inmersa en la opresión económica y social del mundo globalizado. Asimismo, contiene ensayos que amigos y críticos escribieron para la edición original, publicada paralelamente a la realización de la primera gran retrospectiva del artista, en 1992.

Gabriel Orozco

Cuántos hechos [propósitos, deseos] guardamos dentro sin poder sacarlos porque no encontramos el método, que en realidad es una demanda de los otros. Las demandas de nuestro deseo incomprensible. Y no actuamos sin justificación. El público necesita los porqués. Nosotros no.

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Gabriel Orozco (Jalapa, Veracruz, 1962) es uno de los artistas conceptuales más reconocidos a nivel mundial. A partir de la década de los noventa, su obra, dentro de la que destacan piezas como DS, Caja de zapatos vacía y Papalotes negros, entre otras, despertó genuino interés entre el público, los críticos y los historiadores del arte; quienes han dedicado numerosos ensayos a analizar su trabajo.

Orozco ha sido también una influencia importante en el arte contemporáneo nacional, tanto por el discurso, los medios y los materiales que emplea, como por la inflexión que ha provocado en la percepción del arte conceptual en general y del arte mexicano dentro del circuito internacional.

Fotogravedad es la reedición del catálogo publicado originalmente en ocasión de la exposición homónima del artista en el Museo de Arte de Filadelfia, realizada en 1999. Reúne textos, fotografías de la obra y los cuadernos de notas del artista; combinación que potencia el significado de aquella exhibición, valorada de la siguiente manera por Ann Temkin, en el epílogo del libro: “[Fotogravedad] ahonda las pesquisas de Orozco sobre la relación entre objeto e imagen. Una escultura puede ser una foto tridimensional; una fotografía, una escultura bidimensional. Las distinciones entre el objeto y la imagen probablemente nunca fueron tan nítidas como suponíamos, pero Orozco atrae nuestra atención a las ambigüedades y las ricas posibilidades que esa relación encierra.”

Robert Smithson

La estructura conserva en cierta medida todo lo intricado y terrorífico que se puede encontrar en un típico templo maya, en especial en los de variedad Uxmal, que son muy, muy… Se llama "barroco maya", y se caracteriza por las fachadas serpenteantes, llenas de espirales con formas que se entrelazan esculpidas en la roca; es muy bonito. Para mí, esta ventana, aparentemente inútil, revela muchas de las verdades acerca del temperamento mexicano.

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En 1969, el artista estadounidense, Robert Smithson, viajó al sureste mexicano en compañía de la artista Nancy Holt y la galerista Virginia Dwan. Aficionado a los viajes terrestres en automóvil, la geología y la geografía, Smithson realizó en su trayectoria por la península yucateca las esculturas "desplazamientos de espejos", que después formaron parte de su ensayo "Incidentes de viajes-espejo en Yucatán". Una vez que llegó a Palenque, Smithson tomó una serie de fotografías del lugar en el que él y sus acompañantes se hospedaron durante su estancia en la ciudad que da nombre al hotel.

Tres años más tarde, Hotel Palenque fue presentada ante un auditorio de estudiantes en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Utah. Imagen tras imagen el autor compartió su percepción de una edificación derruida y construida a la vez. En ella encontró ecos de la arquitectura prehispánica, así como referencias a los grabados de cárceles hechos por Piranesi en el siglo xviii. Su aguda apreciación hizo resaltar elementos constructivos y decorativos que en su extravagancia –calificada como "barroco maya"– aludían al arte neoyorkino de la década de los setenta.

Con el tiempo, esta obra se convirtió en un referente importante de las historias de viajes realizadas por artistas y exploradores, capaces de aportar una visión peculiar a la percepción del entorno.

De Robert Smithson, Alias ha publicado también Selección de escritos, que es una compilación de sus ensayos aparecidos en revistas como Artforum, Arts International, Art Magazine, entre otras. Este libro, realizado en colaboración con el Museo Tamayo, completa dicha selección.

Robert Smithson

En vez de hacernos recordar el pasado, como los monumentos antiguos, los nuevos monumentos parecen hacernos olvidar el futuro. En vez de estar hechos de materiales naturales como el mármol, el granito u otro tipo de roca, los nuevos monumentos están hechos de materiales artificiales como plástico, cromo y luz eléctrica. No están construidos para las épocas, sino en contra de ellas. Más que representar los largos espacios de los siglos, forman parte de una reducción sistemática del tiempo a fracciones de segundos.
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Robert Smithson (Passaic, Nueva Jersey, 1938-1973) fue uno de los artistas más revolucionarios del siglo XX. Su gran obra, Spiral Getty (Muelle en espiral), construida en el Great Salt Lake en Utah, contiene el espíritu de algunos de los más grandes monumentos de civilizaciones pasadas, al tiempo que es contemporánea en concepto y ejecución. Smithson fue un escritor prolífico y original, cuyos puntos de vista afectaron profundamente el curso del arte contemporáneo estadounidense.
Esta Selección de escritos de Robert Smithson, reúne algunos de los textos publicados por el artista estadounidense en revistas como Artforum, Arts International y Arts of Environment, entre 1966 y 1973. Su peculiar capacidad de análisis y acercamiento crítico al arte y las dinámicas sociales, culturales y económicas generadas en torno a éste, hacen de sus escritos obras la vez intrínsecas e independientes a su creación artística.
Paralelamente, como afirma Damián Ortega en la presentación del libro: “ A pesar de que Smithson manifestó siempre un constante interés por los paisajes y zonas arqueológicas precolombinas y de que fue un dedicado estudioso de las culturas mesoamericanas, esta es la primera vez que una selección de sus escritos es traducida al español y publicada en México.”

Dan Graham

El arte pop es una representación de una representación; representa la representación de los medios masivos, lo que es, de hecho, una relación de segunda mano con la “realidad”.
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Dan Graham nació en Illinois, Estados Unidos en 1942. Actualmente es considerado una figura imprescindible del arte conceptual de los años sesenta. Su trabajo se enfoca en la relación entre la obra de arte y el espectador. Ha dirigido gran parte de sus investigaciones a las distintas doctrinas de los medios masivos de comunicación; tema en torno al cual ha publicado una amplia lista de textos críticos.
Graham ha explorado gran variedad de plataformas como la instalación, el performance, el video y la fotografía. Sus intereses van de la arquitectura pública, al punk y las expresiones populares.
En Rock, mi religión (1982-1984), el autor profundiza en la relación entre el fanatismo y la industrialización de la música en la sociedad contemporánea. Y expone los avatares del consumidor adolescente producto de los alienados suburbios estadounidenses de los años cincuenta.
A partir de la vertiginosa historia de las bandas musicales, los programas de televisión, las películas y el performance de aquella época, este ensayo teórico explora los códigos estéticos y los contextos históricos que alimentaron el fenómeno del rock n’ roll.

Lawrence Weiner

Una piedra es una piedra

Esto no obvia la sensualidad

del objeto pero

la traducción le permite a cada cultura

adaptar el objeto para satisfacer

sus necesidades particulares

Realmente una traducción es el movimiento de

un objeto a otro lugar.

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Lawrence Weiner nació en el Bronx, Nueva York, en 1942. Es una figura central del arte conceptual de finales de los años sesenta. Escribió Statements, su primer libro, en 1968, pequeña compilación de textos que describían proyectos e instrucciones para el lector, y que es considerado uno de los primeros textos de la corriente conceptual. Su trabajo consiste frecuentemente en textos tipográficos que recurren a juegos semánticos y gramáticos; sus instalaciones lingüísticas sobre muros han sido su principal medio. Ha incursionado también en el video, el filme, la escultura, el performance, el arte sonoro y el diseño gráfico.
Mi Libro es su libro es una compilación de escritos, piezas y entrevistas traducidas al español por diversos artistas. La portada de esta edición fue diseñada por el propio Weiner, quien además seleccionó el título del libro, mismo que parafrasea una conocida pieza suya de los años ochenta, titulada Mi casa es su casa.

Jimmie Durham

La arquitectura no es orgánica, no es parte de la evolución; es una invención del Estado. Propongo aquí la tesis de que la arquitectura, como espíritu santo de esta entidad fantasmal y escurridiza llamada Estado, inventó las sillas. Las sillas son espías.
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Jimmie Durham nació en 1940 en Estados Unidos. Durante mucho tiempo fue miembro del American Indian Movement, además de fundador y director del International Indian Treaty Council de la ONU; ha participado activamente como escritor, editor y activista en diversas iniciativas artísticas a nivel internacional. Sus obras presentadas en Documenta IX y en la Bienal Whitney tuvieron gran reconocimiento mundial. En 1998, Durham fue becario del DAAD (Deutscher Akade-mischer Austausch Dienst), en Berlín.
Desde su regreso a Europa en 1994, el trabajo de Durham se ha concentrado principalmente en la relación entre la arquitectura y las narrativas monumentales y nacionalistas.
Entre el mueble y el inmueble (entre una roca y un lugar sólido) es la traducción al español de un texto publicado en ocasión de la exposición del autor titulada Jimmie Durham- Between the Furniture and the Building (Between a Rock and a Hard Place), Berlín, 1998. El libro editado a dos tintas, se encuentra ilustrado con dibujos y fotografías de la obra del artista.

Robert Filliou

Kichigái: locura.

nuestra cordura es locura

y nuestra locura es locura.

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En 1971 Robert Filliou publicó en Alemania a selection from 1000 Basic Japanese Poems / ein Sublimat aus 1000 Gedichte japanisch; libro que reúne los poemas que el autor realizó a partir de las 1000 palabras japonesas básicas, ubicadas al final del manual Japanese in a Hurry. Alias presenta la traducción al español de este título; edición bilingüe que se ilustra con los ideogramas japoneses que en trazo caligráfico acompañan la publicación original.

Puesto que hoy es domingo, día de ignorancia, no tengo cómo mejorar mi espíritu. Prefiero salir bajo la lluvia, hasta
empaparme.
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Alias presenta Para los pájaros, obra que reúne las conversaciones que sostuvieron John Cage y Daniel Charles en la década de los años setenta. En estas páginas –traídas originalmente al español por Monte ávila Editores– también se encuentran las Sesenta respuestas a treinta y tres preguntas publicadas por vez primera en 1968, en ocasión de las jornadas que la Revue d’esthétiques dedicó a las nombradas “músicas nuevas”.

Francis Picabia

La única manera
de ser el más fuerte
es combatir
del lado de los adversarios. 

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Francis Picabia (1879-1953). Pintor, poeta, escenógrafo, crítico, editor. Un personaje clave de las vanguardias del siglo xx y autor de una vasta obra plástica y literaria. Impresionista, fauvista, orfista, dadaísta, surrealista, “realista” y pintor “abstracto”, fue todo sin atarse a un movimiento específico. Sus textos, acompañados de dibujos y aforismos se publicaron en gran variedad de revistas, catálogos y periódicos. Este libro en tres volúmenes contiene una significativa selección de su obra poética.